Rinden homenaje a Magnolia Flores

El Ballet Independiente fue fundado por Magnolia Flores y su marido Raúl Flores Canelo

Desde hace 20 años se ha presentado con la Compañía de Ballet Independiente en las cárceles del país. Los Reclusorios Norte, Sur y Oriente del Distrito Federal, así como la Colonia Federal Penal de las Islas Marías son los lugares que más ha frecuentado. Su trabajo, al interior de estos sitios, siempre ha estado ligado a formar públicos integrales.

Cuando, junto a su marido Raúl Flores Canelo, fundó en 1966 el Ballet Independiente tenían un sólo propósito: llevar la danza mexicana a cualquier lugar. Hasta este momento, esa es la principal característica de su trabajo.

Para ella, la danza contemporánea en el país vive una transición que está directamente relacionada a los cambios políticos en México. Suele combinar las actuaciones en festivales nacionales e internacionales con las presentaciones en las cárceles.

Por todo lo anterior, hoy (viernes) la Subdirección de Prevención Social de los Reclusorios del Distrito Federal le rendirá un homenaje a Magnolia Flores, en la Fundación Sebastián de la Ciudad de México, en el que participaran el escritor Carlos Monsiváis y el propio escultor Sebastián.

En entrevista, la coreógrafa y bailarina dice no ser muy aficionada a este tipo de actos. Sin embargo, siempre que se reconoce la labor de una persona o una institución es importante.

“Ojala que este homenaje se aproveché para que se pueda realizar uno de mis más grandes anhelos: llevar todo tipo de manifestaciones artísticas a las cárceles, como parte de un programa que de verdad tenga una función social. Hasta el momento hemos presentado danza, teatro y fotografía, pero se necesita más”.

Recuerda que empezó a crear puestas en escena en las cárceles hace dos décadas, a petición de un conocido, que hoy no recuerda su nombre. El primer lugar que visitó fue el Reclusorio Preventivo Varonil Norte.

Indica que lo que más le atrae de esta labor es ver a los internos contentos. La química generada entre ellos y los bailarines es de llamar la atención.

Flores destaca que para presentarse en los reclusorios se requiere de un carácter especial. A pesar de ser una experiencia interesante, ningún bailarín que haya trabajado con ella puede decir que sintió miedo.

Señala que nunca tuvo un problema en el interior de los reclusorios. De lo único que se queja es de la burocracia que existe en la puerta al ingresar. “Presentarse con distintas funciones en esos lugares es como meterse en una sierra que no conoces, es como nadar en el mar o surfear, si no lo hiciste antes debes de tener carácter la primera vez”.

“La moda caracteriza a las sociedades”: Ramón Valdiosera

Después de la Revolución mexicana de 1910, entre 1930 y 1950 el gobierno mexicano estaba interesado en plasmar en cada una de las áreas de la vida pública el concepto identidad nacional. Para ello, personajes como Diego Rivera, Miguel Covarrubias, Luis Barragán y José Limón se destacaron en áreas como la pintura, la arquitectura y la danza. En la moda, un hombre irrumpió en la vida pública de este país. La simbología de sus diseños tenían características indígena y campesinas, nunca antes vistas.
Ramón Valdiosera fue el primer mexicano en presentarse en un desfile de modas en Nueva York. En 1949 preparó una serie de vestidos que reflejaran en algo la identidad nacional. Su éxito fue tan grande, que desde el hotel Waldof Astoria de la Gran Manzana los críticos de la época conceptualizaron su trabajo como el surgimiento del Mexican Pink.
Sesenta años después, la exposición Rosa Mexicano. Moda e Identidad: La mirada de dos generaciones que se inauguró la semana pasada en la Casa del Lago, retoma el trabajo de este artista en el mundo de la moda, con el objetivo de identificar el discurso moderno que le imprimió a sus creaciones; y lo contrapone a la visión en la materia que tienen en la actualidad diseñadores mexicanos, como Alejandra Quesada, Giovanni Estrada, José Antonio Silva, Francisco Saldaña y Víctor Hernal.
En entrevista, Valdiosera habla de los significados de su trabajo y de la identidad nacional que éste tiene en la vida diaria. También de cómo ve a los actuales diseñadores y la moda mexicana.

¿Cómo se relacionan la moda con el concepto de identidad nacional?
Hice mi primer desfile en Nueva York. Sabía que en México no había materiales para presentar un desfile internacionalmente. Sin embargo pensé que una forma de llamar la atención era mostrar un proyecto lleno de colores nacionales. Materiales nuestros, aunque suene increíble, de tejidos de telar indígena. Tenía claro que debía respetar el color que más le interesa a los indígenas: el bugambilia. Después de eso, me di el gusto de ver como las cronistas de moda y sociales señalaron: “un nuevo color nació para la moda internacional, el Mexican Pink”. Esto me dio mucho orgullo, porque lo logré cuando tenía 20 años. Gracias a eso conviví con personalidades como Orson Wells, Charles Chaplin, Diego Rivera, Frida Kahlo o Dolores del Río.

¿Qué le falta a la moda en México?
Casi todos los diseños que hice están empacados. No he tenido patrocinadores que quieran impulsar un Museo de la Moda y un Instituto en la materia que se encargue de diseñar ropa, accesorios, pero también de investigar sobre lo que representa histórica, sociológica y antropológicamente. Paris, Francia tiene el turismo más rico del mundo porque, entre otras, cosas ahí se encuentran los mejores perfumes, las mejores galerías, los mejores diseños de ropa, las mejores tiendas de ropa. El problema en México se da debido a la falta de visión de algunos funcionarios. Cuando hice los grandes movimientos de moda mexicana nunca encontré el apoyo del gobierno. Sólo el ex presidente Miguel Alemán me apoyó, pero eso me trajo una serie de enemigos políticos. Las envidias por el trabajo ajeno genera este tipo de conflictos. En Italia, un día me propusieron hacer un eje de la moda Milán –México, para contraponer al de París – Nueva York, nunca obtuve el apoyo del gobierno y sus instituciones.

¿En dónde estamos parados en materia de moda?
Pienso que los diseñadores necesitan conocer México. Requieren de un sentimiento más lógico hacia el país en el cual producen la moda. Deben darse cuenta de dónde viene, dónde está y dónde va uno como persona. Mientras no tengamos un gran conocimiento de nuestro país no avanzaremos. Se debe pensar que la única forma de proyectarse en el ámbito internacional, es con lo nacional. Si un diseñador hindú quiere llegar a Nueva York, debe exhibir vestidos de la cultura hindú. Los diseñadores mexicanos deben hacer vestidos o accesorios a la moda, pero con características mexicanas. La moda caracteriza a las diferentes épocas, cuando se abren las revistas dedicadas a ésta se aprecia hacia dónde se dirige su sociedad.

¿El Mexican Pink sigue siendo parte de nuestra identidad?
Ese ya es un color oficial en la moda, que lleve ese nombre, que la moda internacional lo haya adoptado y que los cronistas lo hallan anunciado en mi época; que siga actual y que Dolores del Río me dijera que haría una fundación de caridad con el nombre Mexican Pink, son cosas que generan mucha satisfacción.

Segey Bratkov muestra los dolores de Ucrania

Niña ucraniana, ejemplo del trabajo de este fotógrafo

* Inaugura PhotoEspaña Días Gloriosos

Tras la caída del muro de Berlín y la separación de la Unión de Repúblicas Socialistas Soviéticas (URSS), Ucrania fue uno de los países más afectados por los cambios políticos. La crisis económica causó desempleo. La violencia en las calles era permanente.

La Perestroika, el desastre de Chernovil en 1986 y las crisis sociales se entrelazaron para convulsionar a una sociedad, en la que los niños fueron los más afectados, pues durante una década tuvieron que convivir con la prostitución, la orfandad, las violaciones y las secuelas de una guerra.

La exposición Días Gloriosos del fotógrafo ucraniano Sergey Bratkov, inaugurada por el Festival PhotoEspaña, en el Canal de Isabel II de esta ciudad, atestigua esa realidad de Europa del Este.

A lo largo de 100 fotografías y cuatro videos, el artista refleja un hecho que cambió la vida de su nación: la caída del comunismo constituye un testimonio de su realidad.

La muestra, curada por Thomas Seeling, se dividió en cuatro partes: Niños o Soldados, Luchadores sin reglas, Secretarias y Chicas del Ejército.
De ellas, Bratkov destacó que la primera y la última parte son las más importantes, pues muestran algo de lo que caracterizó a su país en una época de muchas transformaciones políticas.

“En los años 90 en Ucrania y Rusia había demasiada delincuencia. Los niños participaban en ella. Contaban historias horrorosas de cómo eran tratados. Hablaban de su manera de ver las cosas, del sufrimiento que los cambios les causaban”.

Incluso, comentó, en Niños y soldados se apropió de la mirada de las chicas más jóvenes que tenía que fotografiar para una agencia de modelos. “Esto, aunque es un planteamiento parásito, no significa que sea explotación sexual. Más bien, las expresiones de esas niñas reflejan el sentir de sus padres que quieren convertirlas en mujeres famosas”.

Chicas del Ejército representa, según dijo el fotógrafo, a un grupo de mujeres que al terminar los conflictos bélicos que su país padeció, solían ir a los centros de reproducción para quedar embarazadas.

“No importaba de quien fuera el espermatozoide. Sólo deseaban que fueran soldados. Tres amigas de mi mujer fueron a esos sitios, porque creían que ellos eran verdaderos héroes”.

La muestra termina con una serie de imágenes de diferentes celebraciones nacionales de Rusia y Europa del Este. A pesar ello, Bratkov, aseguró que al observar el rostro de las personas, la tristeza invade sus miradas, festejan, pero con prudencia. El poscomunismo no es algo que les agrade.

Revive PhotoEspaña a Dorothea Lange

Migrant Mother, la foto más emblemática de Lange

* Entre las 138 imágenes se encuentran las que la fotógrafa estadounidense tomó sobre el ataque de Pearl Harbor

La crisis económica mundial deja diariamente miles de desempleados. Gente que por diferentes razones queda completamente desprotegida. Personas que ven como de la noche a la mañana sus sueños y metas se derrumban. Historias individuales y colectivas que tienen un común denominador: son parte de un sistema que suele ser excluyente.

Pero, esta crisis no fue la única que en los últimos tiempos generó depresiones sociales. A principios del siglo XX, en 1929, muchas de las empresas estadounidenses se fueron a la ruina, y el trabajo diario de Dorothea Lange (1865 -1965) fue testigo de ello.

Sus fotografías se han convertido en íconos de los años 30 y 40 en Estados Unidos y el mundo. Fue una de las fotoperiodistas más importantes de la época. Por ello, el Festival PhotoEspaña inauguró ayer la exposición Dorothea Lange. Los años decisivos, en el Museo Colecciones ICO, de esta ciudad, como ejemplo de las consecuencias que este tipo de problemas tuvieron en el pasado.

Oliva María Rubio, curadora de la muestra, explica que las 138 imágenes de la exposición se dividieron en dos partes: el trabajo de la gran depresión económica y el éxodo campesino a las ciudades; así como las imágenes del ataque de Pearl Harbor en 1941.

“Este último hecho generó una oleada de racismo en ese país. El gobierno dio la orden de desalojar a casi 120 mil personas de origen japonés – norteamericano, para recluirlos en campos de internamiento en diferentes puntos de California”.

En entrevista, destaca que este trabajo se conoce muy poco. Muchas de las imágenes que ella tomó fueron recuperadas y guardadas por la Armada de Estados Unidos, por la vergüenza que hasta hoy les provoca ese suceso.
Menciona que este hecho la llevó a ella a preguntarse por qué en todos los catálogos de Dorothea Lange, sólo hay dos imágenes de japoneses.

Después de investigar, averiguó que Lange no solamente había capturado más impresiones del tema, sino que el gobierno le pagó para documentar la preevacuación del ataque.

“Los archivos de esas imágenes se encuentran en la Universidad de Bercleay, California. Sin embargo, las fotos nunca han sido expuestas, sólo las que tenemos en la muestra”.

Sobre el éxodo campesino en busca de trabajo, María Rubio apunta que ese proyecto, Lange lo realizó cuando motivados por las grandes sequías de la época, el polvo, y sobre todo la industrialización de los ranchos, los campesinos dejaron sus granjas porque no las podían atender.

La comisaria de la exhibición puntualiza que la razón por la cual presentan esta muestra se debe a la cotidianidad que caracterizaron las impresiones de Lange: obreros y jornaleros mostrando parte de una de las realidades de su país; y no solamente por la crisis económica actual.

“En PhotoEspala siempre tratamos de presentar a un fotógrafo clásico, y como este año el tema es lo cotidiano, quien más que esta mujer para representarlo”.

Además de lo anterior, indica, otras razones para exhibir la muestra es porque sus tomas reflejan el sentir de un pueblo. La manera de vivir el destierro, la pobreza y los cambios de la época están presentes.

Aclara que su trabajo es tan vigente en la actualidad porque tiene imágenes que no han envejecido para nada. Ella retrató la pobreza. Ésta sigue siendo un fenómeno moderno. Su capacidad de empatar con los fotografiados y la manera de editar su trabajo, le dan un aire atemporal a todo lo que hizo.

Migrant Mother, la imagen mítica

La fotografía de Florence Owens, como se llama la mujer de Migrat Mother (1936) y sus hijos fueron tomadas a comienzos de marzo en Nipomo, California, cuando Dorothea Lange trabajaba para la Farm Security Administration.

De las seis tomas que hizo, la más emblemática de todas es aquella en la que Florence es fotografiada con sus tres hijos. Una imagen que resume el poder de compasión y empatía que la autora logra transmitir y que por años ha logrado sobrevivir.

La postal fue publicada por primera vez el 11 de marzo de 1936 en el San Francisco News. Su gran popularidad provocó que se empleara en sellos postales en 1998.

“Faltan espacios para la música mexicana”: Manuel de Elías

Compositor, director de orquesta y promotor de la música latinoamericana son algunas de las características que definen el trabajo del maestro Manuel de Elías (5 de junio de 1939) que en sus 55 años de carrera ha sido fundador de la Orquesta Sinfónica de Veracruz y la Filarmónica de Jalisco.

También del Colegio de Compositores Latinoamericanos de Música de Arte, el cual preside actualmente. Ha compuesto más de 100 piezas y su trayectoria lo avala como uno de los músicos mexicanos más importantes de los últimos años.

Por ello, la Coordinación Nacional de Música y Ópera del Instituto Nacional de Bellas Artes, le rendirá un homenaje por su labor en la materia y el 70 aniversario de su nacimiento, con dos conciertos el 28 y 31 de mayo, en la Sala Manuel M. Ponce del Palacio de Bellas Artes y la Sala Silvestre Revueltas del Centro Cultural Universitario, de la UNAM, respectivamente.

El repertorio que interpretará está dividido en el concierto para trombón, de Johann Georg Alberchtsberger; el concierto de invierno para trombón de Darius Milhaud; y 5 obras para orquesta de cuerdas del propio De Elías.

En conferencia de prensa, el compositor aseguró que falta mucha difusión de la música mexicana. La realidad supera las circunstancias, y el mundo de los directores y compositores es heterogéneo. No hay similitud de oportunidades para los jóvenes y niños. Hay diferencias sociales, exclusión.

Sin embargo, puntualizó, se percibe una búsqueda importante para cambiar esa situación. La construcción de un trabajo incluyente para todos no es un asunto a corto plazo, pero se debe hacer.

Como presidente del Colegio de Compositores Latinoamericanos de Música de Arte, aclaró que se ha trabajado mucho para cambiar el problema. La música de los miembros de esa institución se interpreta en toda la región. Siempre están abiertos a nuevas propuestas. “El hecho de interpretar canciones propias permite promover a nuevos compositores y directores”.

El autor de composiciones dedicadas a Pablo Neruda o Eduardo Mata, destacó que otro ejemplo del trabajo que sí se ha hecho de buena forma, se encuentra en el Conservatorio de las Rosas de Morelia.

“El estímulo a la educación para los niños es muy bueno. El trabajo realizado está dirigido a formar mejores seres humanos y no tanto músicos. Sí los estudiantes después de esto deciden dedicarse a esa carrera, ya tienen un camino andado muy importante”.

De Elías aseguró llegar a este reconocimiento de muy buena forma, aunque un poco sorprendido, porque aunque suelen ser naturales este tipo de actos, no dejan de llamar la atención.

“Uno sigue la trayectoria de su vida, y de pronto aparecen calendarios que son más significativos. Tengo la satisfacción de poder entregar a estas alturas un resultado a la sociedad y mi país. Ya son 55 años dedicándome a esto, más de medio siglo”.

En la sala de ensayos de la Orquesta de Cámara de Bellas Artes, explicó que de las tres actividades que han caracterizado su carrera, siempre prefiere la que en ese momento esté realizando. Pone como ejemplo: “disfruto tocar piano públicamente, pero hace tiempo que no lo hago”.

Intervención 001. Academia 14, alternativa para artistas independientes

Esta es una de las piezas que se exhiben en la casa

En la calle Academia 14 del Centro Histórico de la Ciudad de México, una casa se esconde tras la ruina y mugre de sus muros. Está prácticamente destruida. Su fachada -rodeada de puestos ambulantes que venden sombrillas, peines, comida- se muestra desgastada. Nada hace suponer que atrás de todos los locatarios hay un inmueble del siglo XVI.

En su interior se aprecian las paredes semidestruidas, escalones sobrepuestos, mala iluminación, suciedad. Sus rincones albergan material de construcción: cemento, ladrillos, piedras, andamios, entre otros. A pesar de esto, el próximo 24 de mayo la Asociación de Artistas Visuales, LaCoOp, inaugurará en ese lugar su primera muestra como colectivo, Intervención 001. Academia 14.

En ella12 artistas intervendrán el espacio con el objetivo de reflexionar en la relación que existe entre sus obras y el edificio, por cierto en proceso de restauración. Se trata de un proyecto que busca gestionar exhibiciones en lugares alternativos, electrónicos y culturales.

“Esta es una cooperativa que apoya la producción de proyectos independientes de manera incluyente”, señaló Fernando García Correa, uno de los coordinadores de la misma.
Indicó que otro de los objetivos de esta muestra es ayudar a los creadores a proyectar sus propuestas. Por ello no hubo curador, pues todos los criterios empleados fueron discutidos por los artistas involucrados.

“Pensamos que cada obra exhibida está determinada por el espacio que utiliza. En los museos, por ejemplo, hay estructuras más adaptadas. En la casa tuvimos que respetar el trabajo que se está haciendo de remodelación. Usamos materiales que no afectaran la estructura, como los Frescos”.

La inauguración será el próximo domingo entre las once de la mañana y tres de la tarde. A partir de ello, el público que quiera asistir lo deberá hacer por medio de una cita, pues la casa es particular y suele permanecer cerrada.

Fabián Ugalde, artista plástico participante, comentó que lo que más le llamó la atención de intervenir una casa en remodelación es poder trabajar en un lugar en transición. Esto le permite jugar con el sitio, la calidad del piso, el cemento o los acabados, ya que al final le dan otro carácter a la exposición.

Destacó que su objetivo es hallar puentes estéticos entre el edificio y las piezas exhibidas; encontrar los puntos que los unen en un diálogo común; y en algunos casos generar contrastes. “Todas las obras están relacionadas de manera histórica, pictórica y geométrica, con el espacio en el que se presentan”.

La propuesta que él mostrará retoma las pinturas que supuestos extraterrestres han dejado plasmadas en algunos campos de Inglaterra y Europa. Para lograrlo utilizó la idea del graffiti.

El Museo Anahuacalli exhibe el arte prehispánico de Sabrina Villaseñor

Coatl es una de las obras más emblemáticas de esta artista

En 1988, la Unión de Repúblicas Socialistas Soviéticas (URSS) vivía un proceso de reconstrucción. La Perestroika se instalaba entre su gente. Mijail Gorvachov irrumpía con un nuevo proceso político; y la caída del muro de Berlín daba entrada a los profundos cambios que se avecinaban. La Guerra Fría mostraba sus últimos resabios.

Una pintora mexicana, Sabrina Villaseñor, estudiaba en el Instituto de Bellas Artes Surikov de Moscú. Estaba casada con un diplomático mexicano e ingresó a esa institución para aprender las técnicas ortodoxas de las artes plásticas de Rusia. Su trabajo se vería profundamente influenciado por ese hecho y por el creador Kazimir Malevich. Sus añoranzas por México la llevaron a experimentar en temas prehispánicos.

Más de 20 años después, la artista plástica expondrá su más reciente obra en el Museo Diego Rivera Anahuacali de la Ciudad de México. A lo largo de 39 lienzos de gran formato, Sellos y Signos intenta recuperar las tradiciones e historia de México, así como resaltar la importancia de las culturas indígenas en el país.

La muestra que se inauguró el sábado 23 de mayo, surgió a partir de una exposición que se presentó en noviembre de 2007 en la Fundación Sebastián, del Distrito Federal y en la que las autoridades del Anahuacalli se interesaron por la propuesta estética de la artista.

Desde niña, Villaseñor, se interesó por la cultura mexicana. Recién nacida se fue a vivir a Estados Unidos, y a su regreso, diez años más tarde, empezó a pintar con gis. Pulió su técnica, al ingresar a la Universidad Iberoamericana, después de estudiar Diseño Industrial.

“Cuando era más joven pintaba de manera abstracta y figurativa. Sin embargo el haber vivido en Estados Unidos, la URSS y Alemania transformó mi forma de trabajar. Yo extrañaba mucho mi país, eso me orilló al arte prehispánico”.

En entrevista, comentó que lo que más le llama la atención de esa forma de crear, son su estética, forma y líneas. También el uso de colores. Leyendas como la de Quetzalcóatl, la serpiente emplumada, y sus diferentes representaciones, así como los temas espirituales y religiosos de la época, suelen ser la inspiración para su trabajo. También el colorido que caracteriza a México: los mercados, los tianguis, la calle, están llenas de historias, de tonalidades que plasman la cultura nacional.

Indicó que en la actualidad casi ningún artista trabaja este tipo de proyectos. “En general los artistas mexicanos están más inclinados a realizar obras con estilos más europeos o estadounidense. Aunque no es una crítica, ellos no suelen prestar atención a nuestra cultura”.

“Se debe difundir la música contemporánea mexicana”: Duane Cochran

El pianista estadounidense inaugurará hoy la temporada de conciertos de piano en la Sala Carlos Chávez de la UNAM

El pianista estadounidense, Duane Cochran vive en México desde hace 32 años. Nació en Detroit, Estados Unidos. Pero decidió residir aquí después de pasar unas vacaciones en Xalapa, Veracruz. En su extensa trayectoria ha colaborado con artistas como Jean Pierre Rampal, Kurt Redel, así como con diversos conjuntos de cámara. El próximo domingo inaugurará la temporada de conciertos de piano en la Sala Carlos Chávez de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM). En entrevista habla de ello.

¿Qué repertorio escogió y por qué lo hizo?
No me gusta tocar recitales de piano sólo en el escenario. Hay mucha música para interpretar, pero prefiero compartir la tarima con alguien. Dar conciertos sólo no representa ningún reto para mí, no es algo que realmente me emocione. Prefiero un concierto para piano y orquesta, de esa manera intercambio frases musicales, ideas y energía. Por ello, cuando se dan recitales como el del domingo debo identificarme muy bien con la música.
El programa que escogí para inaugurar la temporada en la Carlos Chávez -Sonata No. 3, de Norman Dello Joio, la Pieza Cíclica y Puerto de Arribo, de Rosa Guraieb, Memento de Akemi Akachi y Sonata No. 7, de Prokofiev- es uno con los que más me identifico. El programa que diseñé tiene un principio y un fin. Obviamente no se pone primero la Sonata No. 7 que la obra de Akemi Akachi, pues ésta dura cinco minutos. Tiene que haber una congruencia en el recital. Me debo identificar con lo que toco. No hay ninguna pieza típica para conciertos de piano, como Bethoveen, Brams, porque aunque son bellísimas y me encanta escucharlas, no son mi fuerte.
Sonata No. 7, de Prokofiev, por ejemplo, es una de las composiciones que más me atrae, desde que estaba en la escuela la quise tocar. Los ritmos que utiliza Prokofiev son muy novedosos, por eso me llama la atención. Seguramente también por mis genes africanos. Ésta es una de las obras más importantes del repertorio pianístico, en el mundo.

En su repertorio incluyó dos obras de Rosa Guraieb ¿por qué escogió las piezas?
Ella es oaxaqueña. Tiene cerca de 80 años. Sus obras, Pieza Cíclica y Puerto de Arribo, son muy contemporáneas, aunque tienen elementos de su estado natal. Las piezas las programé porque valen mucho la pena y nadie las interpreta. Desde que descubrí el trabajo de Rosa Guraieb me he abocado a difundirlas. Ella tiene mucha música. Pero hay que escarbar en su casa para encontrarla. Mocayo, Revueltas o Arturo Márquez se tocan mucho en los conciertos, pero a esta maestra no se la conoce.

¿En los conciertos como los que usted dará el domingo, se interpreta música mexicana?
Voy a decir algo, que no debería, pero bueno: la música que tocan las orquestas de cámara, está dedicada a programas con composiciones nacionales, cuando es 15 y 16 de septiembre. Esto se debe a que así celebran el mes de la patria. El problema es que siempre se programan las mismas obras. Casi nunca se difunde la música que hacen los jóvenes compositores que en general son muy buenos. Y aunque ese tipo de trabajos no es accesible, por ser para gente con un oído muy experimentado, debemos de hacerlo. Hay dos grupos que sí lo hacen, La camerata de las Américas y Onix, sí difunden música contemporánea. Son ensambles que lo hacen, pero sólo son dos. Pienso que este problema se debe a que las Orquestas intentan atraer público, con música conocida. La gente no está acostumbrada a escuchar este tipo de música.

Llevan imágenes de Ruth Lechuga a Chapultepec

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La fotógrafa austriaca Ruth Deutsche de Lechuga (1920 -2004) llegó a México exiliada en 1939. Tenía 17 años y venía huyendo de la Segunda Guerra Mundial. Desde su arribo se interesó por la cultura popular de este país. Le preocupaba conocer las raíces y tradiciones indígenas. Aunque estudió medicina y la ejerció en una clínica más de 20 años, su verdadera pasión fue la iconografía.

Su obsesión por documentar la apariencia estética indígena, en especial las máscaras que Tarahumaras, Coras, Huicholes, Mayas, Tlaxcaltecas o Purépechas, utilizan en sus diferentes danzas, la llevó a recorrer todo el territorio nacional, entre 1950 y 1980.

En sus viajes encontró los significados de esas máscaras y la importancia en sus culturas; logró coleccionar hasta 10 mil piezas típicas de las diferentes regiones en las que estuvo, y creó un acervo iconográfico de 20 mil imágenes.

Por ello, a manera de homenaje, la Revista Artes de México y la Secretaría de Cultura del Distrito Federal preparan la muestra Otros Rostros de México: La mirada de Ruth D. Lechuga que se exhibirá a partir del 18 de mayo en las rejas del Parque de Chapultepec, de la Ciudad de México.

Margarita de Orellana, subdirectora de la revista Artes de México, señala que la muestra expondrá 135 imágenes, divididas en 11 núcleos temáticos: Rostros ancestrales, Rostros animales, Rostros infernales, Nuestros rostros, Rostros ausentes, Rostros históricos, Rostros delirantes, Rostros de leyenda y fantasía, Rostros extendidos, La fiesta y Rostros que hacen rostros.

En entrevista, indica que la división corresponde a la posibilidad de hacer capítulos sobre cada uno de los apartados. Por ejemplo, a partir de la máscara que representa la danza de los viejitos, buscaron diferentes representaciones nacionales de esa ceremonia y en distintos escenarios. “También tenemos la danza de los animales, en donde el jaguar es la figura más importante. Estos rostros nos invitan a buscar en los territorios del alma y convertirlos en animales para poder escuchar su voz”.

Una de las atracciones de la exposición, explica Orellana, se halla en aquellas representaciones de los rostros ausentes. Se trata de personajes que se encuentran arraigados a las culturas indígenas, que no son visibles y que dependiendo de la etnia a la que pertenezcan invitan a que la gente se pierda en la naturaleza, a suprimir las fronteras y desbordar los intereses humanos.

“Queremos mostrar la variedad que existen en México y el registro de las ceremonias indígenas, a partir de los ojos de una mujer preocupada por capturar un nación que tiene muchas naciones, y que durante años no se conocieron”.

Archivo histórico
El acervo de esta aventurera austriaca que quedó plenamente enamorada de México se dividió en dos lugares. Las 20 mil fotografías que a lo largo de su trayectoria tomó son parte de la Revista Artes de México. Los 10 mil objetos que coleccionó en sus viajes, pertenecen al Museo Franz Mayer, del Fideicomiso del Banco de México.

Orellana asegura que este recinto tendrá que abrir un espacio para mostrar todo el trabajo, aunque desconoce como se encuentre el proyecto de hacer un Museo de Arte Popular Ruth D. Lechuga.

El proyecto para presentar esta muestra en las rejas del Parque de Chapultepec surgió hace tres años, después del montaje que hicieron frente a la Secretaría de Relaciones Exteriores, para enseñarle al público los diferentes tipos de máscara indígenas que existen en el país.

Hay días que no pasan desapercibidos. Momentos en la noche que te trastornan. Sueños que de a poco se acaban. Noticias que te conmueven. Por ello, ante la nota que acabo de subir de El Sol de Cuernavaca, la cual denuncia una actividad continua del Estado mexicano: la desaparición forzada, subí este video de Silvio Rodríguez. Todo un clásico que nos ayuda a recordar que otro mundo es posible y que muchos no hacen nada para cambiarlo.
Emiliano Balerini